Festival de l'Imaginaire 2010

7e Journée du Patrimoine Culturel Immatériel

yannis — 2010-06-01T13:20:00Z

Il y a six ans la Maison des Cultures du Monde créait, dans le cadre du Festival de l'Imaginaire, en collaboration avec la Commission Nationale Française pour l'UNESCO et avec le soutien du Ministère de la Culture, une « journée du patrimoine culturel immatériel ». Depuis, ce rendez-vous annuel permet aux praticiens, aux responsables d'organisations gouvernementales et non gouvernementales, au public en général, de se tenir informé et de participer à une réflexion sur la mise en oeuvre de la Convention de l'UNESCO pour la sauvegarde du patrimoine culturel immatériel. Adoptée en 2003, cette Convention est opérationnelle depuis juin 2008 et les premières inscriptions sur la liste de sauvegarde et sur celle représentative ont déjà eu lieu.

Il est sans doute trop tôt pour tirer des conclusions des conséquences de ces inscriptions, mais on peut d'ores et déjà réfléchir, à la lumière de l'expérience des « chefs d'oeuvre du patrimoine oral et immatériel », aux risques (afin de les prévenir) que pourraient courir les éléments du patrimoine immatériel qui sont et seront inscrits sur les listes.

Cette réflexion sera aussi l'occasion de mieux préciser ce que l'on entend par « patrimoine culturel immatériel » afin d'éviter des malentendus qui ont tendance à foisonner ces derniers temps un peu partout et, assez étrangement, particulièrement en France.

Plusieurs « témoins » participeront à cette rencontre qui, comme celles qui l'ont précédée, devrait apporter une contribution complémentaire à la mise en pratique d'une Convention essentielle pour la sauvegarde de la créativité humaine toujours menacée par les phénomènes d'uniformisation et de récupération mercantile et affairiste. Au cours de cette journée sera également présenté le numéro 25 de l'Internationale de l'Imaginaire qui sera une sorte de vademecum de la Convention et un véritable outil de travail pour tous ceux qui s'intéressent au patrimoine culturel immatériel.

Chérif Khaznadar

Podcast en écoute ci-dessous

Table ronde en écoute - 2h - mp3: IMG/mp3/pci_table-ronde.mp3

A télécharger


Table ronde en écoute - 2h - mp3

Diaporama photo

yannis — 2010-05-03T16:23:58Z

Krishnanattam

yannis — 2010-01-20T13:02:00Z

Avec :
Unnikrishnan, maître principal
Gopalakrishnan, maître principal
Sukumaran, acteur
Sasidharan, acteur
Sethumadhavan, acteur
Muraleedharan, acteur
Aravindan, acteur
Venugopolan, acteur
Maneesh, acteur
Krishna Kumar, acteur

...
Ananthu, Balarama adolescent
Gokhul, Krishna enfant
Vasudevan Namboothiri, chanteur
Sathyanarayanan, chanteur
Narayanan, tambour maddalam
Unnikrishnan, tambour thoppi madalam
Raju, maquilleur
Muraleekrishnan, maquilleur
v. Janardanan, costumier
Ravi Gopolan Nair, conseiller artistique

Français

Programme détaillé

Chaque spectacle sera sur-titré en français

11 mars : 1h10 + entracte 15 minutes + 45 minutes
Avatharam (naissance de Krishna)
Kaliyamardanam (défaite de Kaliya)

12 mars : 1h + entracte 15 minutes + 1h05
Rasakreeda (Krishna et les Gopis)
Kamsavadham (l'assassinat de Kamsa)

13 mars : 2h avec 15 minutes d'entracte
Swayamvaran (le mariage)

14 mars : 2h avec 15 minutes d'entracte
Banayudham (la guerre contre Bana)

Le krishnattam ou krishnanattam – selon la transcription phonétique du sanscrit – une forme spectaculaire rituelle, gardant valeur d'offrande, dans le temple de Guruvayur, au Kerala, se traduirait par « le jeu de Krishna ». Le personnage central, Krishna, un avatar du dieu Vishnu, lui même considéré comme une divinité primordiale, s'exprime par la musique, le chant, la danse et des gestes d'une grande élégance. Entouré par ses comparses humains, animaux ou monstres, il réactive son mythe – de la naissance jusqu'à son ascension au ciel – au cours de chacune des huit nuits successives, qui constituent la geste.

Une des fonctions du krishnattam se baserait sur un enseignement inculqué dans la grâce et provoquant des états de joie profonde. Krishna, l'amant absolu, à la peau couleur de nuit, capable de satisfaire le désir érotique de milliers de bergères, symbolise le rêve de toute créature du peuple, qui se reconnaît dans le gardien de troupeau, joueur de flûte ou dans la femme touchée par le ravissement. Doué d'intelligence profonde mais aussi de malice, il confond les adversaires et leur joue des tours.
Le personnage adorable et ambigu, pivot du drame dansé, n'en finit pas de susciter la dévotion et l'amour.

Une seule troupe existe encore. Autant dire que le transfert d'un tel rituel, hors du sanctuaire d'origine, et qui ne se produit, sans doute, qu'une fois par siècle (Festival des Arts Traditionnels, Rennes, 1977 et Festival de l'Imaginaire, 2010), provoque des questionnements locaux ainsi qu'une minutieuse préparation des acteurs-danseurs, tous des hommes, initiés depuis l'adolescence.

Comme certaines dramaturgies demeurant encore vivantes, le krishnattam, né de la superposition de formes populaires et classiques du Kerala, ne prend son nom et sa forme actuelle qu'au xviie siècle, sous l'impulsion d'un souverain lettré, le zamorin de Kozhikode.

La progression dramatique, d'une lenteur raffinée, produit chez les spectateurs locaux la béatitude d'une liturgie, même si certains n'entendent que le malayalam, la langue locale et non plus le sanscrit. Deux chanteurs jouant du chengalla (gong) et des elathalam (petites cymbales) ainsi que deux percussionnistes (maddalam) soutiennent les textes sacrés et la danse lente des hommes maquillés ou portant de lourds masques de bois.

Françoise Gründ

English

KRISHNANATTAM – Southern India
Ritual theater of Kerala
> Thursday, March 11, Friday, March 12, Saturday, March 13 and Sunday, March 14
Maison des Cultures du Monde

The krishnanattam, or "Play of Krishna", is a devotional performance offered by a single company, that of the great temple of Guruvayur in the center of Kerala. While it is mostly performed in this temple, the krishnanattam can be shown at other Hindu temples upon request or as a function of the celebratory calendar. The krishnanattam stems from archaic performance forms of the region, but it was the poet Manaveda, who, in the middle of the 16th century, wrote in Sanskrit the various episodes that make up the narrative framework of the krishnanattam : the intra-uterine life of Krishna, his childhood, adolescence, his combat with the Yavana (the Greeks), the wedding with the sixteen thousand ragini and his reconciliation with the god Shiva are the events that the Guruvayur troupe has been dancing and singing in its performances for four centuries now. Supported by a musical ensemble composed of drums and gongs, the vesham or krishnanattam actor-dancers use both masks and make-up comparable to those of the kathakali, as well as many wood and paper maché accessories. The krishnanattam only left India once, in 1980, for performances at the 7th Festival of Traditional Arts in Rennes and a tour of the United States. On Monday, March 15 in the afternoon there will be an additional performance intended for school audiences.


YouTube - Krishnanattam à la Maison des Cultures du Monde (Inde -Théâtre rituel du Kerala)

Trois virtuoses des luths

yannis — 2010-01-20T12:50:00Z

Avec
Kinan Adnawi, ‘ûd
Mohammed Osman, buzuq
Ibrahim Keivo, chant, buzuq et baghlama

Français

L'image du luth dans la musique arabe est généralement celle du ‘ûd, le luth à manche court qui donna son nom à notre luth occidental et qui, voici longtemps déjà, supplanta dans la musique savante le tanbur à manche long que seuls les Ottomans ont conservé. D'autres luths ont cependant marqué l'histoire musicale de cette région et l'on peut encore entendre dans le nord de la Syrie résonner le timbre cristallin du buzuq ou les octaves généreuses du baghlama.

Ce concert illustre la vitalité d'une jeune scène musicale syrienne solidement formée à la musique classique arabe mais également pétrie de ses traditions locales et ouverte au monde.

Ibrahim Keivo, que certains ont pu découvrir en 2007 à la Maison des Cultures du Monde, est né à Tlele, un petit village du nord-est de la Syrie. Son histoire familiale l'a baigné très jeune dans les multiples cultures de la Djezireh : arménienne, yezidi, assyrienne, kurde et arabe. S'accompagnant au buzuq ou au baghlama, il fait revivre avec passion les chants souvent méconnus de ces diverses traditions.

Mohammed Osman a grandi à Jerablus, ancienne cité hittite située à la croisée de l'Euphrate et de la frontière turque. Joueur de ‘ûd, Osman est surtout un maître du buzuq et son style épuré et mélodique le démarque totalement de ses illustres prédécesseurs, Matar Muhammad et Muhammad Abdelkarim. Çà et là, surgissent dans ses improvisations les citations nostalgiques des mélodies kurdes et turkmènes ou des cantiques syriaques entendus dans son enfance.

Quant au ‘ûdiste lattaquiote Kinan Adnawi, il combine avec bonheur une science des modes, un toucher exceptionnel et une virtuosité exempte de tout artifice. Ses taqasim exigeants et imaginatifs entraînent son auditoire dans les détours d'une méditation sereine et apaisante qui est la quintessence du tarab.

Pierre Bois

English

Three Lute Virtuosi - Syria
With Kinan Adnawi, Mohammed Osman, Ibrahim Keivo
> Friday, March 12
Institut du Monde Arabe

The lute, ‘ud in Arabic, is among the oldest oriental instruments, and was long seen by the Arab school of music as a simple instrument to accompany singing. It was only in the 20th century, through the Iraqi school which was under Turkish influence, that the ‘ud began to spread, with the emergence of famous players such as Jamil Bashir, Salman Shukr and Munir Bashir. Almost seventy years later, the young musicians Kinan Adnawi, Mohammed Osman and Ibrahim Keivo, three major figures of the Syrian stage, are renewing the classical tradition of the 'ud by blending influences and introducing new musical forms, thereby demonstrating the exceptional flexibility of the Arab lute. Some of them, like Ibrahim Keivo, are also masters of the buzuq and the baghlama, two long-necked lutes. The concert will be an opportunity for the audiences at the Festival de l'Imaginaire to hear Ibrahim Keivo again after his concerts in 2007 at the Maison des Cultures du Monde for the 12th edition of the Festival.

Nouveauté dans la collection INEDIT

Ibrahim Keivo
Musiques de la Djezireh

Ensemble Baramgot

yannis — 2010-01-20T12:45:00Z

sous la direction de Won Il, changgo

Avec :
Park Sun-a, gayageum
Park Woo-Jae, geomungo
Lee A-Ram, daegeum
Park Jae-Rock, cithare

Français

Baramgot n'est pas inconnu des fidèles du Festival de l'Imaginaire qui ont pu apprécier cet ensemble exceptionnel lors de la mémorable performance du danseur Yong-bu Ha dans le cadre de la 13e édition du festival.

Baramgot revient pour notre plus grand bonheur. Cet ensemble musical renommé a été fondé en 2004 sous la direction de Won Il, jeune compositeur, flûtiste et percussionniste. Grand artiste et parfait connaisseur de la musique traditionnelle coréenne, sa maîtrise lui a ouvert tous les champs du possible en musique. D'ailleurs le choix du nom de ce groupe qui veut littéralement dire : « le vent au point de rencontre entre la terre et la mer » n'est pas anodin. Il ne s'agit pas seulement ici d'un dialogue entre différentes cultures, en l'occurrence la culture coréenne et les autres, mais aussi d'une ouverture à un champ d'expérimentation intérieur, une exploration de la musique coréenne et de ses infinies possibilités.

Le travail de l'Ensemble Baramgot démontre plus que jamais que l'enfermement dans un modèle fixe et prédéterminé n'est pas gage du maintien d'une identité forte. En revanche la maîtrise de sa propre culture, de ses règles et ses fondements artistiques, ainsi qu'une curiosité de l'autre et une ouverture à la différence contribuent à un enrichissement et mènent à une identité en constant processus de création. Won Il est entouré de jeunes artistes, chacun excellant dans la maîtrise de son instrument : gayageum, geomungo, changgo ou daegum. Ensemble, c'est avec un bonheur évident qu'ils s'adonnent à la musique.

Arwad Esber

English

THE BARAMGOT ENSEMBLE - Korea

> Friday, March 12 and Saturday, March 13
Auditorium of the Musée Guimet

The Baramgot Ensemble ("the wind at the place where the land becomes the sea"), directed by Won II, is composed of some of the most emblematic instruments played in Korean music : the flute daegeum, table zither kayageum, the drums puk and changoo, in particular. The Ensemble excels in both the playing of improvised folk music (Sinawi) and the interpretation of various contemporary styles, and is acknowledged as the most creative and important group in Korea nowadays.

In 2009, the Baramgot ensemble accompanied the Korean dancer Yong-Bu Ha, National Living Treasure, for his performance Les danses de l'homme given at the Paris Bastille National Opera for the 13th Festival de l'Imaginaire.

Portrait of love

yannis — 2010-01-20T12:30:00Z

une mise en scène de Chun-Fang Tai,

Avec :
Han-ru Yang, chant
Mei lan Chen, chant
Yi-Hsiu Lee, chant
Chao-Chi Ma, chant
Hing-Lung Huang, marionnettiste
Chieh-Chun Chang, acteur
Hsing Chun Chiang, acteur

...
Ming-Chu Yu, acteur
Kui Hua Liang, tambour
Shuo Han Hung, gong
Pen Yao Hsiao, flûte di
Ming Feng Lu, vièle ehrhu
Chih Ching Chang, luth pipa
Shygong, scénographie

Français

½ Q (Half Q) est le nom d'une compagnie taïwanaise née de la rencontre de deux femmes, deux artistes, Chunfang Tai et Hanru Yang. Metteur en scène, Chunfang Tai a commencé sa carrière artistique avec le Little Theatre, réputé à Taïwan comme lieu de culture alternative et rebelle. Hanru Yang s'est vouée à l'opéra classique kun ou kunqu. Ensemble, et avec la complicité d'artistes et de plasticiens d'horizons divers, elles vont relever un véritable défi : montrer la beauté du kunqu (classé chef d'oeuvre du patrimoine culturel de l'humanité par l'UNESCO) dans des mises en scènes contemporaines, sans toutefois violer les principes de l'esthétique théâtrale traditionnelle. Ainsi, par exemple, la table et les deux chaises de la scénographie traditionnelle disparaissent au profit de ce qui s'apparenterait plutôt à une installation d'artistes, sans pour autant trahir l'esprit de la tradition. La « signature » de l'expérience ½ Q est le respect fidèle et constant de la technique du chant de l'opéra kun, toujours présent, quel que soit le parti pris de la mise en scène. De même, l'importance du rôle principal est respectée, car primordiale dans le kunqu.

Extrait de l'opéra kun classique La Maison de l'Ouest composé par Yuling Yuan à la fin de l'époque Ming, Portrait of Love décrit avec élégance et raffinement une passion entre un brillant lettré et une belle courtisane. Le jeune et talentueux aristocrate Yu Shuye écrit un très beau chant qui gagne l'admiration de la belle et talentueuse Mu Suhui. Lors de leur première rencontre dans la Maison de l'Ouest, sujets à l'emprise de la passion, ils formuleront un voeu qui les liera, une promesse d'amour et de mort. Toutefois, Zhau, supposé être un ami de Yu, plein de rancoeur suite à une maladresse de ce dernier, planifie la destruction de la Maison de l'Ouest et l'exil de la belle. Afin de revoir son amant, Mu lui écrit une lettre, espérant qu'il pourra la rejoindre à bord de l'embarcation qui l'emportera sur le chemin de l'exil, sans savoir que la malchance va encore lui jouer de mauvais tours : la lettre d'amour se transformera en feuille blanche entre les mains du malheureux et languissant Yu.

L'artiste Shygong a spécifiquement créé pour cette pièce un chariot qui se transforme, au gré des scènes, en espace de rencontre des amoureux, cabine de bateau, écran d'un théâtre d'ombres ou castelet d'un théâtre de marionnettes. Cet « objet de scène » inspiré à la fois d'une tente, d'un chariot et d'un camion devient un autre narrateur.

Hymne à la poésie, à la voix, à la complémentarité, Portrait of Love est une histoire qui oublie d'où elle vient, mais dont la moitié reste encore à écrire. Une esthétique de la polyphonie, qui dépasse les frontières du texte et enrichit l'imaginaire du spectateur, tout en préservant la beauté classique et hiératique du kunqu.

Le dramaturge Xianzhu Tang (1550-1616) considérait le kunqu comme un théâtre où « l'amour engendre des rêves, les rêves engendrent le théâtre ». Cela est devenu un trait distinctif du kunqu auquel ½ Q, à sa manière, insuffle une énergie nouvelle.

Arwad Esber

English

"PORTRAIT OF LOVE" - Taiwan

An opera of the 1/2Q Company
> Tuesday, March 16 and Wednesday, March 17
Maison des Cultures du Monde

For Chunfang Tai, the Director of the company, ½Q is the fruit of meetings between different esthetics, disciplines and artistic universes, with the name "½Q" itself referring to a work halfway between classical opera in the kunqu style and an exploration of the possibilities offered by contemporary theater. With Portrait of Love, ½Q offers a very inventive adaptation of the traditional Chinese opera West House Story in a surrealistic and poetic production in which, as if in a dream, actors, puppets and multimedia projections are blended to tell the tale of the thwarted, long-distance love between Yu Shu-ye, an eminent scholar, and the courtesan Mu Su-hui.

Flamenco et soufisme

yannis — 2010-01-20T12:20:00Z

Avec
Waed Bouhassoun, chant et ‘ûd - www.waedbouhassoun.com
Curro Piñana, chant
Carlos Piñana, guitare
Miguel Angel orengo, percussions

Français

Curro Piñana, une des plus belles voix flamencas d'aujourd'hui, avait adapté, il y a quelques années, des poèmes du grand mystique Ibn Arabi et les avait interprétés dans le style flamenco. Né à Murcie, Ibn Arabi est mort à Damas et l'on peut aujourd'hui encore visiter sa tombe, dans le quartier qui porte son nom.

Waed Bouhassoun, jeune chanteuse syrienne au timbre de voix rare, est connue du public du Festival de l'Imaginaire où elle a fait ses débuts sur scène. Après avoir chanté Rabi'a Al Adawiya, la « mère » des soufis, elle revient avec Curro et Carlos Piñana interpréter les oeuvres de trois grands poètes andalous : Ibn Arabi, Wallâda Bint al-Mustakfi et Ibn Zaydoun. L'idylle entre ces deux derniers fut à l'origine d'une magnifique poésie amoureuse.

La rencontre de Curro et Carlos Piñana avec Waed Bouhassoun eut lieu la première fois en 2008, à l'occasion de l'inauguration de l'ensemble des événements et activités programmées dans le cadre de « Damas capitale culturelle du monde arabe », un Damas éternellement nostalgique de l'Andalousie des Omeyyades, une Andalousie fantasmée, rêvée comme un paradis perdu.

Nés à Carthagène dans une famille de musiciens, les frères Curro et Carlos Piñana ont baigné dans une atmosphère de flamenco et de cantes mineros, ces « chants du Levant » à la résonance profondément tragique car inspirés par les chants des mineurs, d'où leur appellation.

Curro Piñana est aussi un grand chanteur de saetas, chants de la Semaine Sainte qui auraient subi deux influences non négligeables : une influence arabe, celle de l'appel à la prière des muezzin et une influence juive, celle de la hazanout, la psalmodie synagogale. Son chant, à la fois puissant et doux, est tout en développements mélismatiques, en arabesques qui entrelacent, captivent et subjuguent les sens de l'auditeur.

Son jeune frère, Carlos, a tracé sa voie, forgé sa propre personnalité tout en respectant l'enseignement de leur grand-père, Antonio, grand chanteur de flamenco, référence absolue des cantes mineros. Ce musicien à la virtuosité et à la délicatesse expressives, surprenantes, possède un sens très marqué des structures rythmiques pour la composition. Les dialogues intimes entre la voix et la guitare sont de purs moments de grâce.

Depuis ses premières apparitions publiques dans le cadre du Festival de l'Imaginaire en 2006, Waed Bouhassoun a poursuivi son ascension et enchaîné les concerts, s'imposant comme une artiste qui tient ses promesses d'excellence, provoquant le recueillement de ses auditeurs et suscitant à chaque fois l'admiration de son public.

Soufisme, mysticisme… Rien n'est autant galvaudé, aujourd'hui, que ces notions servies à toutes les sauces sous le moindre prétexte. Phénomène étonnant dans cette époque si « dogmatique ». Ou bien serait-ce alors un appel au secours, une manière indirecte et inversée d'exprimer un mal-être profond, un besoin de se libérer, de transcender la banalité du quotidien ? On peut légitimement hésiter à parler de « soufisme » pour ce concert, même si la poésie d'Ibn Arabi le justifierait à elle seule. Mais… ce serait ne pas tenir compte de Waed Bouhassoun, une voix arabe exceptionnelle qui exprime une force fragile, un amour absolu, gratuit et tragique. Et ce serait oublier que la voix et le chant de Curro Piñana brisent les chaînes du connu et nous emportent à travers ce « chant de l'ardent désir » vers une Andalousie intérieure.

Arwad Esber

English

FLAMENCO AND SUFISM - Syria/Spain

With Waed Bouhassoun, Curro and Carlos Piñana, Miguel Ángel Orengo
> Saturday, March 13 Institut du Monde Arabe

The Syrian singer and lute player Waed Bouhassoun, accompanied by the brothers Curro and Carlos Piñana and the percussionist Miguel Ángel Orengo, famous Flamenco musicians, will set to music the works of three great Andalusian poets : first Ibn Arabi, the great master of Murcia who carried Sufi thought to its apogee ; then Wallada Bint al-Mustakfi and Ibn Zaydoun, whose tormented, passionate idyll led to some of the most beautiful courtly verses in Arab-Andalusian poetry.

Waed Bouhassoun, discovered by the Maison des Cultures du Monde, which presented her concert at the Institut du Monde Arabe during the 2006 edition of the Festival de l'Imaginaire, and whose vocal quality is considered exceptional, was unanimously acclaimed by audiences and by the press ; Curro Piñana, one of the greatest voices of flamenco today, is also know to audiences of the Festival de l'Imaginaire through his two memorable concerts of saetas and cantes mineros given at the Maison des Cultures du Monde for the 2007 edition of the Festival. This concert will be an opportunity to rediscover the immense talent of these performers through an original artistic meeting.

Les Chantres de Moscou

yannis — 2010-01-20T11:34:00Z

sous la direction de Gueorgui Smirnov

Avec :
Sergey Tkachenko
Oleg Bocharov
Oleg Serebrennikov
Sergey Lisitsin
Boris Kinev
Petr Tumarkin
Grigory Grigoryev

...
Sergey Popov
Artem Reznichenko
Petr Panov
Sergey Arkhangelsky
Anatoli Mironov
Ivan Sidorov
Yury Vishnyakov, basse profonde

Français

Ce panorama de la musique liturgique et monastique russe, interprété par un des choeurs les plus réputés de Russie, illustre la riche histoire de la musique orthodoxe russe depuis l'abandon du chant byzantin à la fin du XVIe siècle.

Les premières polyphonies religieuses, inspirées par le chant populaire russe, voient le jour au xviie siècle, à la suite de l'ouverture à l'Occident et de la découverte du chant liturgique polonais. Un siècle plus tard, les chantres russes adaptent le principe du choral luthérien à de vastes compositions à 8, 12, voire 48 voix. Mais le xviiie siècle est aussi celui du goût italien. Le public se rend à l'église comme on va à l'opéra pour écouter les « concerti à plusieurs parties » de Dmitry Bortniansky. Plus tard, les compositeurs de l'Ecole de Saint-Petersbourg se tournent vers le romantisme allemand, puisant leurs thèmes dans les mélodies populaires, à la manière du lied allemand.

Avec le réveil culturel de la Russie au xixe siècle et l'éclosion du mouvement slavophile, l'école synodale de Moscou renoue avec des motifs anciens et des harmonisations sobres et propices à la prière et à la méditation. L'introduction dans le choeur des voix de basse profonde renforcent le caractère mystique du drame liturgique. D'une étonnante beauté, cette musique est cependant peu jouée en concert, les basses profondes étant rares et très recherchées.

Depuis leur création en 1992, les Chantres de Moscou se consacrent au répertoire liturgique russe et plus particulièrement aux oeuvres pour basse profonde et choeur. Leur répertoire, appris au sein du Patriarcat de Moscou, du monastère Saint-Daniel ou de la cathédrale du Christ- Sauveur, comprend des monodies et des polyphonies primitives à deux et trois voix, des oeuvres des débuts de l'influence européenne, des chants monastiques des grands centres spirituels comme la laure de la Sainte-Trinité- Saint-Serge, la laure de Kiev, les monastères d'Optino et du Kremlin de Moscou, et enfin le grand répertoire du xixe siècle avec des oeuvres de compositeurs méconnus en France comme Alexandre Kastalski, Alexandre Gretchaninov, Pavel Tchesnokov, Alexandre Archangelsky.

Pierre Bois

English

THE ORTHODOX SINGERS MALE CHOIR - Russia

Chorus and basso profundos
> Thursday, March 18 and Friday, March 19
Eglise Saint Roch

The Orthodox Singers Male Choir of Moscow, directed by Gueorgui Smirnov, will perform some works for basso profundos (or "noble basses") that are specific to the Russian liturgical repertoire. This stunningly beautiful and mystical music is rarely performed in concert however, as basso profundo voices are rare and sought after. The Orthodox Singers Male Choir of Moscow, considered one of the finest choruses of Russia, will perform in France for the first time.

Les Chantres de Moscou se produisent pour la première fois en France, dans le cadre de l'Année France-Russie 2010 (www.france-russie2010.com).

En tournée le 21 mars à Vitré, et le 23 mars à Caen.

Transcripción

yannis — 2010-01-19T19:39:00Z

Chorégraphie et mise en scène de diana théocharidis Musique de pablo ortiz et kaija saariho

Avec :
Romina Pedroli, danseuse
Jorge Dermitzakis, danseur
Aníbal Jiménez, danseur
Ansi Karttunen, violoncelle
Emilio Basaldúa, scénographie
Gonzalo Córdova, lumières

Français

Transcripción est la rencontre de trois mondes : celui de Diana Theocharidis, chorégraphe argentine d´origine grecque et ceux de Pablo Ortiz et de Kaija Saariaho. Pablo Ortiz voyage à travers son oeuvre, mêlant la mémoire du tango argentin à celle du tango finlandais. Par leur abstraction, les trois soli pour violoncelle de la finlandaise Kaija Saariaho jouent avec une métaphore à la fois forte et éthérée.

Dans l'espace conçu pour la danse par Diana Theocharidis, l'eau renvoie à un univers de souvenirs personnels et collectifs, à la mémoire et à l'oubli. Pour elle, « l'eau est le territoire des souvenirs ; le territoire de la mémoire et des troubles de la mémoire. L'eau éloigne, sépare, éclate en images, reflète, submerge et transmet. Elle laisse entrevoir des restes, cachés sous sa surface. Un paysage qui contient, en désordre – ou au moins dans un ordre non évident – le monde entier, et dans lequel les frontières s´effacent, comme s´effacent les limites entre les eaux. Musiques presque oubliées, danses perdues, fragments de danses argentines traditionnelles et d'anciennes danses grecques. J'imaginai dès le début l'eau comme un lieu élémentaire, capable de contenir sous une forme discontinue – et toujours incomplète – cet univers de mémoires personnelles et collectives. Écrire est, d'une certaine manière, transcrire. Se souvenir, c'est aussi réécrire. Les sons et les mouvements passent d'un instrument à un autre, d'une époque à une autre, de langues étrangères à des langues connues, familières, à travers des lieux différents et des sujets différents. La mémoire est un nouveau commencement, comme l´eau, qui dessine une nouvelle carte pour des espaces connus et qui comprend cet ensemble de fragments ».

Tout est retranscrit, ou transformé, au passage d'un monde à l'autre, à travers les interprètes : le violoncelliste finlandais Anssi Karttunen – qui fait le lien entre les tangos finlandais et argentin mais aussi entre les deux compositeurs –, Jorge Dermitzakis né à Buenos Aires mais d'origine grecque, qui passe avec aisance de la danse traditionnelle grecque au tango argentin, Aníbal Jiménez, danseur traditionnel argentin, et Romina Pedroli, danseuse contemporaine.

English

TRANSCRIPCIÓN - Argentina

A choreography of Diana Theocharidis
> Saturday, March 20 and Sunday, March 21
Le 104

With Transcripción, Diana Theocharidis creates a dream world, a space of memory of dance and music, in which water, the central, primordial element, erases the borders between Argentinian and Finnish tangos, solo cello (Anssi Karttunen) and electronic music and refers to a universe of personal and collective memories, to remembrance, to forgetting. Transcripción, a performance at the crossroads of different worlds, is the fruit of the meeting between the choreographer Diana Theocharidis, her Argentinian compatriot, the composer Pablo Ortiz, and the Finnish composer Kaija Saariaho.

Silvia Maria chante le Oaxaca

yannis — 2010-01-17T20:27:00Z

Avec :
Silvia Maria, chant et guitare
Hector Hugo Santos Diaz, guitare

Français

Avec sa voix chaude, grave et sensuelle, son chant qui retient chaque lettre, on peut dire que Silvia Maria s'inscrit dans la lignée de chanteuses comme Chavela Vargas. Cette artiste mexicaine, amoureuse de son Oaxaca natal qu'elle célèbre avec exaltation, éprouve un bonheur immense à chanter. Tantôt introverti, nostalgique, tantôt débordant de joie, son chant résonne comme autant de moments de vie. L'amour dans tous ses états, les femmes de sa terre natale, la beauté, l'âme, la nature, c'est toute la palette des sentiments qui est déclinée, avec délicatesse, dans le répertoire de cette artiste invitée à chanter pour la première fois en France.

Artiste autodidacte, Silvia Maria joue de la guitare depuis l'âge de six ans. Son frère aîné consent à lui apprendre une chanson, une seule. Munie de cet unique bagage, elle s'y attachera comme à une sorte de guide qui l'aidera à en apprendre d'autres. Plus tard, sa grand-mère paternelle qui, elle aussi, chantait tout en s'accompagnant à la guitare, lui en apprendra quelques autres.

Quand la famille s'installe dans la ville de Oaxaca, Silvia s'arrange, parallèlement à ses études, pour continuer à travailler, toujours seule, la guitare et le chant. Souhaitant aller à la rencontre du monde musical, elle décide de se rendre à la radio. Mais c'est son interprétation de l'Ave Maria de Schubert en l'église de La Soledad, devenue aujourd'hui une basilique, qu'elle se fait connaître. Éprise de musique, Silvia Maria chante à chaque fois qu'elle en a l'occasion et se produit dans quasiment tous les théâtres et salles de concert de Oaxaca.

Un concert de Silvia Maria constitue un véritable havre de paix, un moment qui transporte dans l'espace et dans le temps, dans des contrées imaginaires, l'imaginaire de chaque auditeur.

Une artiste à découvrir absolument.

Arwad Esber

English

SILVIA MARIA SINGS OAXACA - Mexico

> Monday, March 22 and Tuesday, March 23
Maison des Cultures du Monde

Silvia Maria's low and smooth voice surprises us with its stunning androgynous timbre. She was molded by the south Mexican folk tradition, and is now known and acknowledged in the cities and countryside of the state of Oaxaca as one of the holders of a folk heritage that is too little known. Silvia Maria was born in the province of Ocotlan de Morelos and learned music with her family. From a very young age, she sang and accompanied herself on the guitar. Today, it is her turn to transmit the intangible heritage of these melodies. As a singer of her native land, Silvia Maria breathes new life into the folk repertoires. A real enchantment.